스트링세션·드럼세션 녹음 가이드: 리얼 악기 vs 미디·준비물 순서

스트링세션이나 드럼세션 같은 리얼 악기 녹음, 내 노래에도 꼭 필요할까요? 결론부터 말하면 곡의 감정이 악기 소리 자체에 크게 기대는 구간(현악기 솔로, 드럼 필인과 그루브가 곡을 끌고 가는 구간)이 있다면 실제 연주자를 부르는 세션 녹음이 확실한 차이를 만들고, 배경을 받쳐 주는 역할이라면 미디 가상악기로도 충분한 경우가 많습니다. 이 글에서는 리얼 세션이 필요한 경우와 가상악기로 충분한 경우를 비교하고, 편성 정하기, 녹음 전 준비물 순서, 녹음 당일 진행, 비용을 결정하는 요소와 녹음 후 정리까지 세션 녹음 실무만 모아 정리했습니다.

스튜디오에서 일하다 보면 "스트링을 진짜로 녹음하면 얼마나 달라져요?", "드럼만 실제로 치면 안 되나요?" 같은 질문을 자주 받습니다. 답은 곡마다 다르지만, 판단 기준과 준비 순서는 거의 같습니다. 세션 녹음은 연주자의 시간을 빌리는 작업이라, 준비가 덜 된 상태로 녹음실에 들어가면 같은 시간에 얻을 수 있는 결과물이 크게 줄어듭니다. 반대로 미리 정리할 것만 정리해 두면 처음 해 보는 분도 원하는 소리를 효율적으로 받아 낼 수 있습니다.

스트링세션이란? 세션 녹음이 필요한 순간

세션 녹음은 곡에 필요한 악기 파트를 외부 연주자(세션 연주자)에게 맡겨 실제 연주로 녹음하는 작업을 말합니다. 그중 바이올린, 비올라, 첼로 같은 현악기 연주자를 불러 녹음하는 것을 흔히 스트링세션이라고 부르고, 드럼 연주자가 실제 드럼 세트를 쳐서 녹음하는 것을 드럼세션이라고 부릅니다. 기타, 베이스, 피아노, 관악기도 같은 방식으로 세션 녹음을 할 수 있습니다.

세션 녹음이 의미를 갖는 순간은 대체로 정해져 있습니다. 첫째, 악기가 '주인공'이 되는 구간입니다. 간주에서 첼로가 멜로디를 받아 노래하듯 연주하거나, 바이올린이 고음으로 길게 울리며 클라이맥스를 끌어올리는 장면은 연주자의 활 쓰는 방식, 비브라토, 숨 같은 미세한 표현이 그대로 들립니다. 둘째, 곡 전체의 '살아 있는 느낌'이 중요한 장르입니다. 밴드 사운드의 록, 어쿠스틱 발라드, 재즈풍 곡은 연주자들이 서로의 소리를 들으며 미세하게 밀고 당기는 그루브가 곡의 맛을 결정합니다. 셋째, 음원 발매처럼 오래 남고 반복해서 듣는 결과물입니다. 한 번 틀고 끝나는 용도보다 여러 번 들을수록 리얼 악기의 차이가 더 크게 느껴집니다.

반대로 곡의 중심이 보컬이고 악기는 뒤에서 화음만 깔아 주는 역할이라면, 잘 다듬은 가상악기만으로도 충분히 좋은 결과가 나옵니다. 그래서 실무에서는 "전부 리얼로" 또는 "전부 미디로"가 아니라, 꼭 필요한 파트만 골라 세션을 부르는 방식이 가장 많이 쓰입니다. 예를 들어 드럼과 베이스는 미디로 만들고, 후렴 뒤 스트링 라인과 간주 첼로 솔로만 실제 연주로 녹음하는 식입니다.

세션 녹음과 일반 보컬 녹음의 차이

보컬 녹음은 노래하는 사람이 의뢰인 본인이거나 가까운 사람인 경우가 많아, 녹음하면서 방향을 바꾸고 다시 시도하기가 비교적 자유롭습니다. 세션 녹음은 그렇지 않습니다. 연주자는 미리 받은 자료(악보, 가이드 트랙)를 바탕으로 준비해 오고, 정해진 시간 안에 결과물을 내야 합니다. 현장에서 편곡을 크게 바꾸면 연주자가 다시 파트를 익혀야 하고 그만큼 시간이 늘어납니다. 그래서 세션 녹음의 핵심은 녹음 당일이 아니라 그 전에 끝내 두는 준비입니다. 보컬 녹음 자체의 흐름은 녹음실 이용 가이드에 따로 정리해 두었습니다.

리얼 악기 녹음 vs 미디 가상악기, 무엇으로 충분할까

요즘 가상악기(샘플 라이브러리)는 품질이 매우 좋아서, 들어 보면 실제 연주와 구분하기 어려운 경우도 많습니다. 그럼에도 리얼 악기 녹음을 하는 이유는 '긴 프레이즈의 표현'과 '여러 연주자가 함께 만드는 공기감'은 여전히 실제 연주가 앞서기 때문입니다. 아래 표는 스튜디오에서 판단할 때 쓰는 기준을 정리한 것입니다.

상황	미디 가상악기로 충분한 경우	리얼 세션을 권하는 경우
스트링 역할	후렴 뒤 긴 음 패드, 화음만 받쳐 주는 배경	간주 멜로디, 솔로 바이올린·첼로, 표현이 드러나는 대선율
드럼 역할	일정한 패턴의 비트, 전자음 위주의 장르	필인과 다이내믹 변화가 많은 밴드곡, 브러시·라이드 위주의 잔잔한 곡
장르	댄스, 일렉트로닉, 힙합처럼 프로그래밍 사운드가 어울리는 곡	록, 어쿠스틱, 재즈풍 발라드처럼 연주감이 중요한 곡
용도	짧게 쓰고 끝나는 배경음악, 시안·데모 단계	음원 발매, 오래 남는 기념 음원, 공연 반주로 반복 사용
일정	일정이 촉박하고 수정이 잦을 것으로 예상될 때	편곡이 확정되어 더 이상 큰 변경이 없을 때
예산	제작 예산을 보컬·믹싱에 집중하고 싶을 때	악기 소리가 곡의 인상을 좌우해 투자 가치가 있을 때

판단이 어려울 때는 "이 파트를 빼면 곡이 무너지는가"를 물어보면 됩니다. 빼도 곡이 성립하는 배경 파트라면 가상악기로 가고, 빼면 곡의 정체성이 사라지는 파트라면 리얼 악기 녹음을 고려할 가치가 있습니다. 또 하나의 방법은 하이브리드입니다. 가상악기 스트링으로 화음과 볼륨감을 깔고, 그 위에 실제 연주자 한 명이 멜로디 라인을 얹으면 가상악기의 꽉 찬 소리와 실제 연주의 표현이 함께 살아납니다. 이 방식은 소편성 세션으로 큰 효과를 내고 싶을 때 자주 쓰입니다.

가상악기로 스트링을 쓸 때 어떤 원리로 자연스럽게 다듬는지는 오케스트레이션과 미디 스트링 실무 팁에서 악기별 역할과 음역까지 따로 다뤘습니다. 이 글은 그 다음 단계, 즉 실제 연주자를 불러 녹음할 때의 실무에 집중합니다.

스트링세션 편성 정하기: 솔로부터 현악 사중주까지

스트링세션을 하기로 했다면 다음으로 정할 것은 편성, 즉 몇 명이 어떤 악기로 연주하느냐입니다. 편성은 소리의 크기와 성격을 결정하는 동시에 비용과 녹음 방식에도 직접 영향을 줍니다. 아래는 대중음악 녹음에서 자주 쓰는 편성을 일반적인 특징 중심으로 정리한 것입니다.

편성	구성 예	소리의 성격	잘 맞는 곡
솔로	바이올린 1명 또는 첼로 1명	가깝고 친밀한 소리, 연주자의 표현이 그대로 드러남	어쿠스틱 발라드의 간주 멜로디, 잔잔한 인트로
듀오·트리오	바이올린+첼로, 바이올린 2+첼로 등	멜로디와 저음이 대화하는 느낌, 여전히 섬세함	피아노 중심 곡에 따뜻함을 더할 때
현악 사중주	바이올린 2, 비올라 1, 첼로 1	고음부터 저음까지 화음이 완성되는 기본 편성, 선명하고 단정함	발라드 후렴, 웨딩·기념곡의 클래식한 분위기
더블링·소규모 앙상블	사중주를 여러 번 겹쳐 녹음하거나 인원 추가	두께와 넓이가 커져 '오케스트라 현악군'에 가까워짐	후렴 클라이맥스, 웅장한 엔딩

현악 사중주는 바이올린 두 대와 비올라, 첼로로 이뤄지는 가장 기본적인 실내악 편성입니다. 네 개의 성부로 고음, 중음, 저음을 모두 채울 수 있어서 대중음악에서도 "스트링이 제대로 들어간 느낌"을 내고 싶을 때 출발점으로 많이 씁니다. 더 큰 소리가 필요할 때는 인원을 늘리는 대신 같은 연주자들이 같은 파트를 여러 번 녹음해 겹치는 더블링 방식을 쓰기도 합니다. 겹칠 때마다 미세한 음정과 타이밍 차이가 생겨 여러 명이 함께 연주하는 듯한 넓이가 만들어집니다.

편성을 정할 때 함께 결정할 것

• 스트링이 맡을 구간: 곡 전체인지, 2절 이후와 간주만인지 정합니다. 맡는 구간이 짧을수록 녹음 시간이 줄어듭니다.
• 역할: 긴 음으로 화음을 받치는 패드인지, 멜로디를 연주하는지, 짧게 끊는 리듬을 맡는지에 따라 필요한 인원과 연습량이 달라집니다.
• 가상악기와의 분담: 저음은 가상악기로 두고 고음 멜로디만 실제로 녹음하는 등 하이브리드 구성을 미리 정해 두면 악보 준비가 명확해집니다.
• 공간감: 작은 편성의 가까운 소리를 원하는지, 넓은 홀에서 울리는 소리를 원하는지 레퍼런스로 공유합니다. 녹음실 크기와 마이크 배치가 이에 따라 달라집니다.

드럼세션은 언제 필요하고 무엇이 다를까

드럼세션은 스트링세션과 준비 방식이 꽤 다릅니다. 현악기는 악보에 적힌 음을 정확히 연주하는 것이 중심이라면, 드럼은 리듬 패턴과 '느낌'을 연주자에게 맡기는 부분이 큽니다. 그래서 드럼 연주자에게는 완성된 드럼 악보보다 곡의 구조와 구간별 분위기, 레퍼런스가 더 중요할 때가 많습니다.

드럼세션이 효과를 크게 내는 경우는 다음과 같습니다. 곡이 진행되면서 에너지가 점점 커지는 밴드곡처럼 구간마다 세기가 달라지는 곡, 하이햇과 스네어의 미세한 강약으로 그루브가 만들어지는 곡, 그리고 브러시나 림샷처럼 섬세한 주법이 필요한 잔잔한 곡입니다. 이런 곡에서 실제 드럼은 단순히 박자를 맞추는 악기가 아니라 곡의 숨결을 만드는 역할을 합니다.

드럼세션이 다른 세션보다 까다로운 이유

• 녹음 환경: 드럼은 킥, 스네어, 탐, 심벌, 방 전체의 울림까지 여러 개의 마이크로 동시에 녹음합니다. 그래서 드럼 녹음이 가능한 크기와 장비를 갖춘 녹음실인지 먼저 확인해야 합니다.
• 세팅 시간: 드럼 튜닝과 마이크 배치, 소리 점검에 시간이 걸립니다. 실제 연주 시간보다 세팅이 길어지는 일도 흔하니 일정을 넉넉히 잡습니다.
• 수정의 어려움: 드럼은 여러 마이크에 소리가 함께 들어가기 때문에 한 부분만 잘라 고치기가 다른 악기보다 어렵습니다. 템포와 구조는 반드시 녹음 전에 확정해야 합니다.
• 다른 악기와의 순서: 드럼은 곡의 기준 박자가 되므로 일반적으로 베이스, 기타, 스트링보다 먼저 녹음합니다. 순서를 거꾸로 하면 이미 녹음한 악기와 리듬이 맞지 않을 수 있습니다.

드럼을 실제로 녹음하기 어렵다면, 가상 드럼으로 패턴을 짜되 강약(벨로시티)과 미세한 타이밍을 사람처럼 다듬고, 심벌이나 퍼커션 같은 일부만 실제로 녹음해 섞는 방법도 있습니다. 리얼 악기 녹음이라고 해서 반드시 전부를 실제로 연주할 필요는 없습니다.

세션 녹음 준비물, 이 순서로 챙기세요

세션 녹음의 품질은 녹음실에 들어가기 전에 절반 이상 결정됩니다. 연주자는 받은 자료를 바탕으로 준비하기 때문에, 자료가 정확할수록 녹음 당일에 '연습'이 아니라 '표현'에 시간을 쓸 수 있습니다. 아래 순서대로 준비하면 빠뜨리는 것이 줄어듭니다.

1. 키와 템포 확정: 보컬이 부를 키와 곡의 템포(BPM)를 먼저 확정합니다. 세션 녹음 후 키를 바꾸면 리얼 악기는 다시 녹음해야 하는 경우가 대부분입니다. 템포가 곡 중간에 바뀐다면 그 위치도 정리합니다.
2. 편곡 확정: 어떤 구간에 어떤 악기가 들어가는지, 곡의 길이와 구성(인트로, 1절, 후렴, 간주, 엔딩)을 확정합니다. 편곡이 흔들리는 상태라면 세션 날짜를 미루는 편이 낫습니다.
3. 가이드 트랙 만들기: 연주자가 들으며 연주할 기준 음원입니다. 보컬 가이드(임시 녹음이어도 됨)와 주요 반주, 그리고 세션 파트를 가상악기로 미리 만든 '목업'을 함께 넣으면 연주자가 원하는 그림을 빠르게 이해합니다.
4. 클릭 트랙 준비: 메트로놈 소리를 따로 내보낼 수 있게 프로젝트에 템포 정보를 정확히 넣어 둡니다. 시작 전 카운트(몇 마디 먼저 클릭이 나오는지)도 정해 두면 녹음 진행이 매끄럽습니다.
5. 악보와 파트보 준비: 스트링세션은 악기별 파트보가 기본입니다. 마디 번호, 구간 표시(리허설 마크), 주법과 셈여림을 적어 두면 녹음 중 "몇 마디부터 다시"를 정확하게 말할 수 있습니다. 드럼세션은 구조표와 구간별 메모, 꼭 필요한 리듬만 적은 간단한 차트로도 충분한 경우가 많습니다.
6. 레퍼런스 정리: 원하는 소리의 참고곡을 구간까지 짚어서 준비합니다. "이 곡 간주의 첼로처럼 가깝고 따뜻하게", "이 곡 후렴 드럼처럼 크게 열리게"처럼 구체적일수록 좋습니다.
7. 파일 전달과 프로젝트 설정 맞추기: 녹음실에서 쓸 프로젝트 파일 또는 트랙별 오디오 파일을 미리 보내고, 샘플레이트와 비트 심도 같은 설정을 녹음실과 맞춰 둡니다. 연주자에게는 가이드 트랙과 악보를 녹음 며칠 전에 보내 미리 연습할 시간을 줍니다.
8. 당일 큐시트 작성: 어떤 순서로 어떤 구간을 녹음할지 적은 진행표를 만듭니다. 가장 중요한 구간을 연주자의 컨디션이 좋은 앞쪽에 배치하는 것이 요령입니다.

실무 팁: 가이드 트랙에 넣는 가상악기 목업은 "이대로 연주해 주세요"가 아니라 "이런 방향이에요"라는 지도입니다. 연주자가 더 좋은 표현을 제안할 여지를 남겨 두되, 꼭 지켜야 할 음(보컬과 부딪히면 안 되는 음, 코드의 핵심음)은 악보에 분명히 표시해 두세요.

세션을 맡길 곡의 편곡 자체를 외부에 의뢰하는 단계라면, 편곡자에게 무엇을 전달해야 하는지는 편곡의뢰 전 준비물과 브리프 예시에서 따로 정리했습니다. 편곡 단계에서 "이 파트는 실제 세션으로 녹음할 예정"이라고 미리 알려 주면 편곡자가 연주 가능한 음역과 주법을 고려해 파트를 써 줍니다.

세션 녹음 당일 진행 순서

녹음 당일은 준비한 자료를 소리로 옮기는 날입니다. 진행 방식은 녹음실과 엔지니어마다 조금씩 다르지만, 일반적인 흐름은 비슷합니다.

1. 세팅과 사운드 체크

연주자가 도착하면 악기 조율과 몸풀기를 하는 동안 엔지니어가 마이크를 배치하고 소리를 점검합니다. 이때 모니터(연주자가 헤드폰으로 듣는 소리)의 밸런스를 맞추는 것이 중요합니다. 연주자에게 클릭이 너무 작거나 가이드 보컬이 안 들리면 정확한 연주가 어렵습니다. 드럼세션은 이 단계가 특히 깁니다.

2. 런스루(한 번 맞춰 보기)

본 녹음 전에 곡 전체나 주요 구간을 한 번 맞춰 봅니다. 이 연주를 녹음해 두면 의외로 자연스러운 테이크가 나오기도 합니다. 들어 보면서 악보의 오류, 음역이 불편한 구간, 템포 문제를 이 단계에서 찾아 바로잡습니다.

3. 구간별 녹음과 테이크 고르기

곡을 처음부터 끝까지 여러 번 녹음하는 방식과 구간을 나눠 집중적으로 녹음하는 방식이 있습니다. 스트링세션은 구간별로 몇 테이크씩 받은 뒤 좋은 부분을 골라 이어 붙이는 방식을 많이 씁니다. 틀린 부분만 다시 연주해 끼워 넣는 것을 펀치인이라고 하는데, 리얼 악기는 앞뒤 연결이 자연스러워야 하므로 잘린 부분의 앞쪽부터 여유 있게 다시 연주하는 것이 좋습니다.

4. 더블링과 추가 파트

메인 테이크가 확보되면 필요에 따라 같은 파트를 겹쳐 녹음하거나, 추가 주법(피치카토, 트레몰로 등)과 효과음을 받습니다. 시간이 남는다고 계획에 없던 파트를 즉흥적으로 늘리면 믹싱 단계에서 오히려 정리가 어려워질 수 있으니, 추가 녹음도 용도를 정하고 진행합니다.

5. 현장 확인과 마무리

연주자가 돌아가기 전에 꼭 필요한 구간이 모두 녹음되었는지 큐시트와 대조해 확인합니다. 집에 와서 빠진 구간을 발견하면 다시 일정을 잡아야 합니다. 보컬과 함께 들으며 가사를 가리는 구간은 없는지, 의도한 분위기가 나오는지도 이 자리에서 판단합니다.

의뢰인이 녹음 현장에 함께 있을 때는 의견을 엔지니어나 프로듀서 한 사람을 통해 전달하는 것이 좋습니다. 여러 사람이 동시에 연주자에게 다른 방향을 말하면 혼선이 생깁니다. "더 슬프게"처럼 추상적인 말보다 "두 번째 후렴부터 조금 더 크게, 마지막 긴 음은 천천히 줄여 주세요"처럼 위치와 동작을 말하면 연주자가 바로 반영할 수 있습니다.

세션 비용을 결정하는 요소와 권리 정리

세션 비용은 연주자, 녹음실, 지역, 곡의 난이도에 따라 차이가 커서 한 가지 금액으로 말하기 어렵습니다. 대신 견적이 무엇으로 구성되는지 알면 어디서 비용이 늘고 줄어드는지 판단할 수 있습니다.

비용 요소	비용이 늘어나는 경우	비용을 줄이는 방법
연주자 수와 편성	인원이 많은 편성, 여러 악기군을 동시에 녹음	소편성 녹음 후 더블링, 하이브리드 구성
녹음 분량과 난이도	곡 전체를 맡기거나 빠르고 어려운 패시지가 많을 때	꼭 필요한 구간만 세션으로, 나머지는 가상악기
녹음실과 엔지니어	드럼·앙상블처럼 큰 공간과 많은 마이크가 필요할 때	편성에 맞는 규모의 녹음실 선택, 세팅 시간 줄이기
악보·파트보 작업	악보가 없어 새로 사보해야 하거나 수정이 잦을 때	편곡 단계에서 파트보까지 함께 받기
준비 상태	현장에서 편곡을 바꾸거나 키를 다시 정할 때	키·템포·구조를 녹음 전에 확정
사용 범위	상업 발매, 광고, 방송 등 사용 범위가 넓을 때	용도를 미리 명확히 하고 계약서에 적기

표에서 보듯 비용을 가장 확실하게 줄이는 방법은 연주자를 줄이는 것이 아니라 준비를 철저히 하는 것입니다. 같은 인원이라도 현장에서 헤매는 시간이 줄면 그만큼 녹음이 빨리 끝나고, 결과물의 완성도도 올라갑니다.

연주자의 권리도 챙겨야 합니다

저작권법은 저작물을 연주나 가창 같은 예능적 방법으로 표현하는 사람을 '실연자'로 정의하고 있습니다. 녹음에 참여한 세션 연주자도 실연자에 해당하며, 실연자는 저작인접권이라는 권리를 가집니다. 그래서 녹음한 연주를 음원으로 발매하거나 광고처럼 상업적으로 쓸 계획이라면, 어떤 용도로 쓸지를 연주자 또는 녹음을 진행하는 쪽과 미리 합의하고 기록으로 남겨 두는 것이 안전합니다. 특히 개인적으로 연주자를 섭외했다면 크레딧 표기 방식과 사용 범위를 함께 정해 두세요.

녹음 후 정리와 세션 녹음에서 흔한 실수

세션 녹음이 끝나면 여러 테이크 중 좋은 부분을 골라 이어 붙이는 편집, 박자와 음정의 미세한 보정, 그리고 다른 악기·보컬과 섞는 믹싱이 이어집니다. 리얼 악기는 가상악기보다 소리의 정보가 많아서, 믹싱에서 음역대별로 자리를 잘 나눠야 보컬과 부딪히지 않습니다. 믹싱과 마스터링의 기본 개념은 믹싱 뜻과 마스터링 차이에서 확인할 수 있습니다.

녹음 파일을 받을 때는 다음을 확인해 두면 나중에 곤란해지지 않습니다.

• 트랙별 원본 파일: 마이크별, 악기별로 분리된 파일을 받아 둡니다. 나중에 믹싱을 다른 곳에서 하더라도 원본이 있어야 작업할 수 있습니다.
• 편집본과 원본 구분: 고른 테이크를 이어 붙인 편집본과 모든 테이크가 담긴 원본을 구분해 보관합니다.
• 시작 위치 통일: 모든 파일이 곡의 같은 시작점에서 시작하도록 내보내야 다른 프로그램에서 열어도 위치가 맞습니다.
• 메모: 어떤 테이크를 골랐는지, 어떤 구간을 펀치인했는지 간단히 적어 두면 믹싱 엔지니어가 빠르게 이해합니다.

세션 녹음에서 자주 보는 실수

• 키를 확정하지 않고 녹음하기: 보컬 녹음 후 키가 안 맞아 바꾸게 되면 리얼 악기는 대부분 다시 녹음해야 합니다. 리얼 악기 녹음은 소리를 늘이거나 키를 옮기는 처리를 크게 하면 음질이 눈에 띄게 떨어집니다.
• 보컬 음역과 겹치는 파트: 미디로 들을 때는 괜찮던 스트링 멜로디가 실제 연주로 들어오면 소리가 커져 가사를 가리는 경우가 있습니다. 녹음 전에 가이드 보컬과 함께 목업을 들어 보는 것이 좋습니다.
• 클릭 없이 녹음하기: 자유로운 템포가 매력인 곡도 있지만, 여러 악기를 따로 녹음해 합칠 계획이라면 기준 박자가 있어야 합니다. 의도적으로 템포를 흔들 곡이라면 그 템포 변화를 미리 프로젝트에 그려 둡니다.
• "알아서 멋지게" 맡기기: 실력 있는 연주자일수록 다양한 해석이 가능하기 때문에 방향을 주지 않으면 의도와 다른 결과가 나올 수 있습니다. 레퍼런스와 구간별 메모를 꼭 준비합니다.
• 세션 후 편곡 변경: 녹음이 끝난 뒤 곡 길이나 구성을 바꾸면 리얼 악기 파트를 자연스럽게 잘라 붙이기 어렵습니다. 구조 변경은 세션 전에 마무리합니다.

오뮤지션에서는 이렇게 만듭니다

오뮤지션은 주식회사 오늘은(오늘은뮤직)의 곡 제작 전문 스튜디오입니다. 편곡과 녹음, 믹싱·마스터링을 각각 따로 알아보고 맞추는 대신, 한 흐름 안에서 곡을 완성하고 음원 발매까지 진행할 수 있습니다. 참가자는 모두 일반인이며, 노래를 잘 못해도 디렉팅과 가이드 음원으로 녹음할 수 있고 필요하면 전문 보컬로 대체할 수 있습니다.

• TRACK 01 오뮤지션 발매(660,000원, VAT 포함): 오뮤지션 작업곡(미발매곡 12곡) 중 한 곡을 고르면 부를 사람의 키와 원하는 분위기에 맞춰 편곡합니다. 가이드 음원으로 연습한 뒤 스튜디오에서 녹음하고, 믹싱·마스터링을 거쳐 앨범 커버와 아티스트 프로필까지 준비해 멜론·지니·벅스·유튜브뮤직·스포티파이·애플뮤직에 발매합니다. 유통 심사 2~3주를 포함해 약 4~5주가 걸립니다.

세션을 직접 섭외하고 녹음실과 엔지니어를 따로 맞추는 과정이 부담스럽다면, 원하는 사운드의 참고곡만 들고 상담을 시작해 보세요. 스트링이 들어간 따뜻한 발라드인지, 밴드 사운드가 살아 있는 곡인지 같은 방향을 편곡 단계에서 함께 정합니다. 뮤직비디오 촬영은 옵션으로 별도 견적입니다. 프로그램 비교는 서비스 안내에서, 신청은 상담 신청에서 하실 수 있고, 1600-3610으로 문자나 카카오톡을 남겨 주셔도 됩니다.